Mermerna statua: istorija skulpture, najveći kipari, svetska remek-dela, fotografije

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Zadnja izmjena: 2023-12-17 05:29

Beli mermer je najplodniji materijal za skulpturalne radove koji prikazuju ljude. Toliko je mekan da se dobro uklapa u rezač, ali je u isto vrijeme dovoljno gust da omogući izrezivanje najfinijih detalja i savršeno prihvati brušenje. Mramorna statua najbolje prenosi emocionalno stanje, senzualnost i anatomsko savršenstvo ljudskog tijela. Kipari antičke Grčke prvi su doveli umjetnost kiparstva na takav nivo, kada se počelo činiti da je mrtvi kamen počeo oživljavati, dobivajući prekrasne obrise. Od tada su umjetnici drugih epoha dosljedno nastojali poboljšati tehniku mramorne skulpture kako bi svoje uzvišene ideje izrazili što je moguće slikovitije i figurativnije, kako bi prenijeli besprijekorne forme i dubinu ljudskih osjećaja.

Zašto mermer?

Od davnina, Egipćani su naširoko koristili različite vrste kamena za izradu skulpturalnih oblika, kao što su crni opsidijan i baz alt, zeleno-smeđi diorit, ljubičasti porfir, meki kalcitalabaster, krečnjak. Od antike su statue stvorene od bronce i legura. Zašto onda mramor toliko cijene umjetnici, i zašto se djela od ovog materijala čine gotovo živima?

Poput alabastera, čije tanke ploče dobro propuštaju svjetlost, mermer je sastavljen od kalcita i također zadržava dio prijenosa svjetlosti. Neka baršunasta tekstura ne stvara kontrastne svjetline i oštre duboke sjene koje su svojstvene metalu, a stvara meku igru svjetla i sjene. Skulpturalni mramor ima gustu strukturu i najsvjetliji ton, koji, zajedno sa glatkim poliranjem materijala, dobro reflektira svjetlost, za razliku od obojenog kamenja. Svi ovi kvaliteti odaju utisak živog mesa u mermernim skulpturama u većoj meri od onih napravljenih od drugog materijala.

Skulpturalni mermer sadrži najmanju količinu nečistoća, što utiče ne samo na gotovo bijelu boju, već i na ujednačenost kamena. To je plastični materijal koji se lako obrađuje, ali dovoljno gust i tvrd da izbjegne cijepanje i pukotine, što vam omogućava da razradite i najsitnije detalje. Zato je mermer posebno omiljen kod vajara.

Antika

Drevna grčka umjetnost skulpture dostigla je vrhunac u 5. vijeku prije nove ere. Tada su se razvile osnovne tehnike, tehnike, matematički proračuni neophodni za rađanje statua. Formiran je poseban sistem proporcija koji definira ideal ljepote ljudskog tijela i koji je postao klasičan kanon zasve generacije umetnika. Tokom jednog veka, nivo zanatstva grčke skulpture dostigao je savršenstvo. Međutim, kipovi tog perioda uglavnom su bili izrađeni od bronze i drveta sa ukrasima od zlata i slonovače. Mramorne statue su uglavnom ukrašavale frontone, frize i vanjske zidove hramova, najčešće u obliku reljefa, bareljefa i visokih reljefa, odnosno djelomično uronjene u pozadinu.

Počevši od 4. veka pre nove ere, skulpturalna dela Grčke obeležena su posebnom plastikom poza, prenošenjem senzualnosti, drame i spajanja, za čije oličenje su majstori počeli da preferiraju mermer. Uzdižući ljepotu ljudskih osjećaja i tijela, veliki antički vajari stvarali su "žive" mramorne statue. U najvećim svjetskim muzejima ljudi se do danas dive savršenstvu rezbarenih oblika i virtuoznom radu umjetnika poput Skopasa, Praxitelesa, Lizipa, manje poznatih vajara i onih čija imena historija nije sačuvala. Klasična dela dugi niz vekova služe kao akademski standard, koji su, sve do perioda moderne umetnosti, pratile sve generacije vajara.

Srednji vijek

Neverovatno je kako su brzo sa pojavom i razvojem hrišćanstva dostignuća drevne umetnosti i nauke predana zaboravu. Visoka vještina kipara svedena je na nivo uobičajenog zanata nevještih rezbara. Već krajem 12. stoljeća, prilično grube i primitivne statue, nepotpuno isklesane i odvojene odtemelji su ostali dio kamenog bloka, koji je ugrađen u zid hrama. Samostojeće figure pojavljuju se tek od 13. stoljeća, ali bezizražajnih lica u stegnutim statičnim pozama, više poput arhaičnih idola, ostale su samo arhitektonski dodatak. Gola priroda i odraz senzualnosti postaju neprihvatljivi, zaboravljaju se klasični principi ljepote i proporcija. U izradi mramorne statue, više pažnje se usmjerava na nabore odjeće, a ne na lice kojem je dat zamrznuti izraz ravnodušnosti.

Renesansa

Pokušaji oživljavanja izgubljenog znanja i umijeća skulpture, stvaranja teorijske osnove tehnika, počeli su krajem XII vijeka u Italiji. Početkom XIII veka na Apeninskom poluostrvu, Firenca je postala centar razvoja umetnosti i kulturnog uticaja, gde su pohrlili svi talentovani i vešti zanatlije. Istovremeno, u Pizi se otvara prva velika škola skulpture, gdje umjetnici proučavaju i ponovo otkrivaju zakone antičke arhitekture i skulpture, a grad se pretvara u centar klasične kulture. Izrada statua postaje sama po sebi disciplina, a ne manji dodatak arhitekturi.

15. vek je bio totalni period promena u umetnosti. Umjetnici oživljavaju i uzimaju kao standard zakone proporcija i kanone ljepote prepoznate u antici. U statui od bronze i mramora, vajari ponovo nastoje da plemenito i uzvišeno reflektuju ljudska osećanja, da prenesu suptilne nijanse emocija, da reproduciraju iluziju pokreta i daju lakoću pozama figura. Ovi kvaliteti odlikuju djela Ghibertija, Giorgia Vasarija, Andrea Verrocchia i najvećeg majstora Donatela.

Visoka renesansa

Kratka faza renesanse naziva se visoka renesansa, obuhvata prvih trideset godina 16. veka. Ovaj kratak period pokazao se kao eksplozija kreativnog genija koja je ostavila nenadmašne kreacije i uticala na formiranje daljih tokova u umetnosti.

Italijanska skulptura u svom razvoju dostigla je vrhunac, a njena najviša tačka je delo najvećeg umetnika i vajara svih vremena - Mikelanđela. Mramorna statua, koja je nastala iz ruku ovog talentovanog majstora, kombinuje visoku složenost kompozicije, savršenu tehničku obradu materijala, savršen prikaz ljudskog tela, dubinu i uzvišenost osećanja. Njegova djela odišu osjećajem napetosti, skrivene moći, kolosalne duhovne snage, puna su plemenite veličine i tragedije. Među skulpturalnim djelima majstora, "Mojsije", kompozicija "Oplaćanje Krista" ("Pieta") i Davidova mermerna statua smatraju se velikim dostignućem ljudskog genija. Prema istoričarima umjetnosti, nakon Michelangela, niko nije mogao ponoviti nešto slično. Snažan, previše slobodan i izuzetno individualan stil zbog ogromnog talenta umjetnika i bio je van domašaja njegovih brojnih učenika, sljedbenika i imitatora.

Barok

U fazi kasne renesanse, tzvmanirizma, formira se novi stil - barok. Zasnovan je na principima apsolutnog klasicizma, ali skulpturalne forme gube nekadašnju jednostavnost linija, iskrenost i plemenitost ideje. Poze likova poprimaju pretjeranu pretvaranje i manire, zamršene kompozicije su komplikovane viškom detalja, a prikazani osjećaji teatralno su pretjerani. Većina kipara, jureći za spoljašnjim efektom, nastojala je da pokaže samo veštinu izvođenja i svoju bogatu maštu, koja se ispoljavala u pažljivom proučavanju brojnih detalja, pretencioznosti i gomilanju oblika.

Međutim, ovaj period obilježava izuzetno fina, gotovo nakitna tehnika i vještina oblačenja mramora. Izvanredni vajari kao što su Giovanni Bologna (Mikelanđelov učenik), Bernini, Algardi maestralno su preneli utisak pokreta, i to ne samo veoma složene, ponekad naizgled nestabilne, kompozicije i poza figura, već i vrhunski izrezbarenih, poput klizećih nabora haljina. Njihovi radovi su veoma senzualni, deluju savršeno i utiču na najdublje emocije gledaoca, privlačeći njegovu pažnju na duže vreme.

Smatra se da se stil održao do kraja 18. veka, manifestujući se i u drugim pravcima. Ali u 19. veku, kada su umetnici reprodukovali samo prethodne stadijume umetnosti, barokne karakteristike često su dolazile do izražaja u skulpturi. Tako neverovatan primer su mramorne statue sa velom italijanskog majstora Rafaela Montija, koji je stvorio nezamislivu iluziju prozirnog vela od kamena.

Zaključak

Tokom 19. veka, mermerna statua je i dalje bila pod apsolutnim uticajem strogog klasicizma. Od druge polovine veka vajari traže nove oblike izražavanja svojih ideja. Međutim, uprkos brzom širenju realizma u slikarstvu, kada su umetnici nastojali da odraze pravu stvarnost života, skulptura je dugo ostala u zagrljaju akademizma i romantizma.

Posljednjih dvadeset godina stoljeća obilježio je realistički i naturalistički trend u djelima francuskih vajara Bartolomea, Barriasa, Carpeaua, Duboisa, F altera, Delaplanchea, Fremiera, Mercier-a, Gardea. No, uglavnom se isticao rad genijalnog Augustea Rodina, koji je postao preteča moderne umjetnosti. Njegovi zreli radovi, koji su često izazivali skandale i bili kritikovani, oličavali su crte realizma, impresionizma, romantike i simbolizma. Skulpture "Građani Kalea", "Mislilac" i "Poljubac" priznate su kao svetska remek-dela. Rodinova skulptura je prvi korak ka oblicima nadolazećih trendova 20. stoljeća, kada se upotreba mramora postepeno smanjivala u korist drugih materijala.